Guide Gambit du French Quarter Fest 2023

C'est l'heure du French Quarter Fest, vous tous ! L'un des plus grands événements musicaux et culturels de l'année, le festival célèbre cette année son 40e anniversaire avec une programmation pleine à craquer des meilleurs musiciens de la Nouvelle-Orléans et de la Louisiane. A son apogée samedi et dimanche, le festival s'étalera sur une vingtaine de scènes. C'est beaucoup de musique et même le papa de jazz le plus branché aurait du mal à savoir quoi voir.

Heureusement pour vous, notre équipe d'écrivains d'élite - avec l'aide des jeunes de JRNOLA - a rassemblé des aperçus de certains des meilleurs actes qui joueront au cours des quatre jours du festival, un aperçu des nouveaux restaurants qui ont ouvert dans le Quartier depuis l'an dernier et plus encore !

Le French Quarter Festival présente beaucoup de musique et de nourriture, mais il y a plus à découvrir après le festival. Il y a de nouveaux restaurants et bre …

Kermit Ruffins

Kermit Ruffins ne se contente pas de jouer du jazz de la Nouvelle-Orléans. Il est le jazz de la Nouvelle-Orléans. Dès le premier souffle qu'il souffle dans sa trompette à chaque représentation, la musique et le musicien ne font qu'un.

La gamme de notes qu'il joue est parmi les plus difficiles à atteindre, et les changements rapides d'une note à l'autre montrent l'agilité de Ruffins alors que ses doigts sautent vivement d'une valve à l'autre.

Ruffins attire une foule, peu importe où il va. Il a été appelé un "Louis Armstrong moderne", un titre qui l'a fait sortir de notre botte du sud et à la Maison Blanche en 2007. Que ce soit à travers le pays ou juste en bas de la rue, l'appel de signature de Ruffins, "Tous à bord!" invite son public à embarquer dans un voyage de jazz rajeunissant qu'aucun voyage en train ne pourrait reproduire. —Sinclair McKinney

Johnny Sketch et les Dirty Notes sont des incontournables de la scène musicale de la Nouvelle-Orléans et sont connus pour leur mélange signature de funk et de rock. Dirigé par le barbu Marc Paradis (alias Johnny Sketch), le groupe a été décrit par Rolling Stone comme "Ce que vous obtiendriez si Phish était né chez Tipitina et avait étudié sous George Clinton et Frank Zappa".

Le groupe a commencé en 2001 et leur camaraderie de longue date est contagieuse. Avant tout, ils veulent vraiment que leur public s'amuse, et c'est pratiquement garanti — Gabrielle Korein

Depuis plus de trois décennies, Chubby Carrier et The Bayou Swamp Band jouent leur marque de musique zydeco classique. Artiste zydeco de troisième génération, la famille de Carrier est ancrée dans les traditions du zydeco, et ses cousins ​​Bebe et Calvin Carrier, son père Roy et son grand-père Warren sont tous considérés comme des légendes de l'histoire du zydeco.

Mais Chubby est un poids lourd à part entière. En 2010, Chubby Carrier And The Bayou Swamp Band a remporté un Grammy pour son album "Zydeco Junkie". —Gabrielle Koréin

Ernie Vincent est un maître du R&B et du funk dont la carrière s'étend sur cinq décennies. Originaire du sud de la Louisiane, la carrière de Vincent a pris forme dans les années 1960 lorsqu'il a commencé à jouer de la musique avec des légendes comme Ernie K-Doe. Il est devenu un incontournable des clubs de musique de la Nouvelle-Orléans, de l'Acadiana et de la région du delta du Mississippi avant de former The Top Notes dans les années 70, et ses talents d'écrivain, d'instrumentiste, d'arrangeur et de musicologue lui ont valu une place au Louisiana Music Hall of Fame. en 2012. En janvier, Vincent a sorti "Original Dap King", un album de 10 titres qui incorpore des éléments de musique de cuivres, de blues, de rock and roll et de psychédélisme. Le titre de l'album est un clin d'œil à son hit de 1972, "Dap Walk". —Gabrielle Koréin

La vie de l'auteure-compositrice-interprète Lilli Lewis tourne autour de la musique depuis son enfance à Athènes, en Géorgie. S'inspirant du R&B, du gospel, du jazz et du funk, la musique de Lewis explore un éventail de problèmes et, comme de nombreux musiciens protestataires classiques des années 1960 et 1970, la justice sociale et les droits de l'homme sont clairement dans son esprit.

Mais ce n'est pas le seul endroit où l'on peut voir l'activisme de Lewis. Lewis a utilisé sa plateforme pour s'exprimer sur une variété de problèmes, notamment le racisme, le sexisme et l'homophobie dans l'industrie américaine. —Gabrielle Koréin

Originaire de la Nouvelle-Orléans, Paul Sanchez est peut-être mieux connu en tant que fondateur du groupe de rock de longue date Cowboy Mouth, bien qu'il ait quitté le groupe il y a longtemps pour se concentrer sur son écriture solo. Il est également apparu comme lui-même dans l'émission HBO "Treme". Bien qu'il soit un rock and roll dans l'âme, la musique de Sanchez est philosophique et reflète ses expériences de vie à la Nouvelle-Orléans, notamment sa survie à l'ouragan Katrina. Une grande partie de sa musique est une célébration de la vie ici, mais il ne craint pas non plus les temps sombres. —Gabrielle Koréin

Le groupe de folk rock cajun, le Babineaux Sisters Band, est devenu un acteur régulier du circuit des festivals de Louisiane au cours de la dernière décennie, jouant sa marque de musique cajun. Dirigé par les sœurs Julie et Gracie, le groupe fait partie du mouvement moderne en Acadiana pour non seulement maintenir la musique, la langue et la culture cajun, mais aborder leurs traditions de manière nouvelle. La portée du groupe a dépassé la côte du Golfe – leur dernier disque, "He's One of These", a atteint la troisième place des charts iTunes Contemporary Country. —Gabrielle Koréin

Les Iguanas font partie intégrante de la musique de la Nouvelle-Orléans depuis plus de deux décennies. Formé dans les années 1990, le groupe puise son inspiration dans une variété de genres, dont le blues, le jazz, le R&B de la Nouvelle-Orléans et même la musique de la frontière Mexique/Texas. Le single le plus récent du groupe, "My Everything", est sorti en 2022 et a été écrit par son compatriote auteur-compositeur-interprète de la Nouvelle-Orléans Alex McMurray. Leur musique est apparue dans des émissions de télévision telles que "Treme" et "The Wire" de HBO ainsi que dans des films comme "Varsity Blues". —Gabrielle Koréin

Jeffery Broussard et les Cowboys créoles

La chanteuse et pianiste Anaïs St. John est influencée par des icônes musicales qui s'étendent sur plusieurs décennies, allant d'Etta James à Eartha Kitt et Donna Summer.

Elle a été formellement formée à l'opéra et au théâtre musical et intègre également le blues, le jazz, le disco et le gospel dans son répertoire.

"C'est définitivement un sac mélangé", dit-elle.

La native de la Nouvelle-Orléans a été élevée par sa mère. Le père de St. John était la défunte pionnière du jazz d'avant-garde Marion Brown, et elle dit qu'elle se souvient d'avoir rejoint "toutes les chorales dans lesquelles je pouvais entrer" quand elle était enfant.

"J'ai le sentiment que son influence sur ma vie s'est manifestée dans son ADN", dit-elle.

Il y a plus de 25 ans, elle a pris son premier emploi en tant que chanteuse au New Orleans Opera Chorus, mais elle a dévié de cette voie et a commencé à se produire dans l'ancien théâtre de cabaret Le Chat Noir. Elle y rencontre le compositeur, pianiste et marionnettiste Harry Mayronne, et les deux passionnés de cabaret deviennent rapidement amis et collaborateurs.

St. John a également été un incontournable des hôtels locaux et des restaurants haut de gamme. Elle se produit tous les samedis soirs au Bombay Club du French Quarter. Et elle canalise sa reine disco intérieure pour un hommage à Donna Summer, qu'elle apportera à Bay St. Louis, Mississippi, le 16 juin.

Bien qu'elle se soit produite dans le monde entier, y compris au Ascona Jazz Festival en Suisse et dans d'autres festivals internationaux, elle a hâte de jouer devant un large public ici, chez elle.

"J'aime que [le French Quarter Festival] soit principalement composé de musiciens locaux", dit-elle. "Je veux toujours soutenir les gens qui travaillent ici et qui sont mis en vedette, car ils ne reçoivent pas suffisamment d'attention à l'échelle nationale. Les grands noms le font, mais tant d'autres [talents] ne le font pas. Et cela leur permet de briller, et cela nous donne une chance de briller et donne à nos gens une chance de les voir sans un billet très cher."

Le public peut s'attendre à un mélange énergique et "par excellence" de succès sur son plateau, dit-elle.

"Ce sera un spectacle de danse qui fait bouger les hanches", dit-elle. "Il y en a pour tous les goûts." -Sarah Ravits

Oui, Georger Porter Jr. est l'ancien bassiste et auteur-compositeur de The Meters, récipiendaire d'un Grammy Award pour l'ensemble de sa carrière. Oui, ils se sont dissous en 1977 et se sont réunis sporadiquement les années suivantes. Oui, il a 75 ans. Mais il veut probablement aussi que vous sachiez qu'il a sa propre marque de musique enracinée à la Nouvelle-Orléans.

Son histoire comprend des performances avec des légendes comme le Dr John, Paul McCartney, Patti LaBelle, ainsi que des apparitions sur le terrain gauche avec Jimmy Buffett, David Byrne et Tori Amos.

Mais Porter, le musicien né dans le 13e arrondissement, mélange le funk, le R&B et la soul et n'a pas oublié ce que la musique signifie pour la Nouvelle-Orléans. Sa chanson "Crying for Hope", enregistrée pendant la pandémie, raconte l'histoire du mouvement Black Lives Matter dans une ville qui laisse constamment tomber ses semblables, encore et encore.

Mais les classiques jouent toujours tout au long de ses sets actuels. "Mardi Gras Mambo" pourrait accompagner "Carnival Time" d'Al Johnson, juste pour vous rappeler la joie à travers la douleur que ressent la ville. Porter est l'une des légendes qui a créé la musique à laquelle vous pensez quand vous pensez au funk de la Nouvelle-Orléans. — Diacre Lawson

Se décrivant comme un groupe d '«oies idiotes» par le chanteur Alexis Marceaux, Sweet Crude a été inspiré à l'origine pour chanter en anglais et en français cajun pour aider à faire revivre le dialecte en voie de disparition.

Formé en 2013, le groupe indie folk-rock a sorti deux albums complets, et leur deuxième, "Officiel//Artificiel" de 2019, marque leurs débuts sur un label majeur après avoir signé avec Verve Forecast.

Quand il s'agit de se produire, les spectacles vivants sont le lieu de prédilection de Marceaux. "J'entre dans mon petit monde à moi, et la foule est comme un rayon d'énergie qui vient vers moi", dit-elle.

Cependant, ce faisceau est un échange bidirectionnel.

Connu pour ses sets énergiques et improvisés, Sweet Crude transforme sa leçon d'histoire cajun en une performance moderne et animée qui illumine ses fans. Et cet esprit ne s'amplifie que lors de festivals en plein air comme le French Quarter Fest et le Jazz Fest.

"C'est différent des spectacles du club", dit Marceaux. "C'est excitant, et la foule est là avec nous." — Finn Galarneau

Il est clair dans leur musique passionnée et riche, ancienne et nouvelle, que la Nouvelle-Orléans est dans la lignée des Dollis. Le chanteur Bo Dollis Jr. a sorti son premier disque en tant que Big Chief of the Wild Magnolias en 2013, succédant à son père, le regretté Big Chief Bo Dollis Sr.

Le groupe se produit à la Nouvelle-Orléans depuis plus de 50 ans et leur présence sur scène est suffisante pour réveiller n'importe quelle âme bien au-delà d'un demi-siècle. Adaptés à la tenue indienne traditionnelle du Mardi Gras, les Wild Magnolias placent la deuxième ligne sur le devant de la scène avec leurs performances lumineuses et animées.

Leurs chansons ressemblent souvent à une jam session, mais soutenues par un chœur de voix minutieusement coordonné. Leur interprétation du hit du Mardi Gras d'Al Johnson "Carnival Time" suscite des sifflets et des cris de la part des membres du public, chantant le crochet: "C'est l'heure du carnaval, et tout le monde s'amuse." Après tout, tout le monde à un spectacle de Wild Magnolias, du groupe lui-même à l'auditeur captivé, est tenu de s'amuser. — Boucliers mayas

Jeffery Broussard et les Creole Cowboys apportent une âme au zydeco moderne, un genre qui reflète les diverses cultures autochtones de la Louisiane. Le mariage de Broussard et des Cowboys entre le créole occidental et méridional donne un mélange de blues, de country, de cajun et de musique amérindienne.

Les mélodies entraînantes du groupe tissent des paroles émouvantes franco-créole entre les soupirs de l'accordéon, les rayures rouillées d'un frottement et un violon rapidement frotté. La voix brute et lancinante de Broussard mène l'équipe, emmenant ses auditeurs dans une oasis de bayou de la création de son groupe. Une enfance difficile a appris à Broussard la capacité de transport de la musique.

Avec une performance au French Quarter Fest à son actif et d'innombrables apparitions au Jazz Fest, Broussard n'est pas étranger à une scène de la Nouvelle-Orléans. Regarder ce groupe jouer aura le talon de vos bottes de cow-boy tapant au rythme, et votre chapeau de paille se balançant sur votre tête hochant la tête. —Sinclair McKinney

La dynastie Hill et Andrews de musiciens de jazz et de R&B distingués se poursuit avec James Andrews, un natif de la Nouvelle-Orléans qui tient la musique aussi proche de ses valeurs fondamentales que la ville.

Andrews est rapidement revenu après Katrina pour se produire dans un parc local afin d'aider à réunir la communauté, affirmant qu'ensemble, la ville serait reconstruite "note par note".

Andrews a joué au sein de divers groupes, dont le Treme Brass Band et le New Birth Brass Band.

Sur scène, Andrews se balance au son de sa propre voix, son aura diminuant à mesure qu'il chante chaque mot. Les notes claires de sa trompette résonnent dans chaque pièce où il joue, une majesté musicale qui a inventé le surnom de "Satchmo du ghetto". —Sinclair McKinney

La Fanfare Originale des Pinettes

Chanteuse Meschiya Lake offre des performances dynamiques et charismatiques avec The Little Big Horns. Le groupe est un groupe de jazz traditionnel qui insuffle des éléments musicaux modernes.

"C'est du jazz traditionnel de la Nouvelle-Orléans, mais avec une touche différente", dit Lake. "C'est un peu plus funky, un peu plus rock and roll. Mais nous voulons donner un clin d'œil à nos prédécesseurs du jazz et aux ancêtres du jazz traditionnel alors que nous portons ce flambeau."

Avec une présence scénique magnétique et une voix lumineuse, Lake est un incontournable de la scène musicale de la Nouvelle-Orléans depuis plus de deux décennies. Avant la Nouvelle-Orléans, elle a voyagé à travers le pays avec un petit cirque familial faisant des tours de magie et chantant. Son parcours éclectique et vaudevillien transparaît toujours sur scène.

Lake a réuni les Little Big Horns en 2009 et les concerts du groupe sur Frenchmen Street à The Spotted Cat tous les mardis, servant de bande sonore pour les événements locaux de danse swing ou pour les touristes éméchés testant leurs mouvements.

Alors que les membres du groupe sont habitués à jouer dans des clubs faiblement éclairés, Lake dit qu'ils sont ravis de se produire en plein jour et sur une scène plus grande que celle à laquelle ils sont habitués.

"J'adore jouer pendant la journée", déclare Lake. "Le festival est un si bon échantillon de la musique de la Nouvelle-Orléans, et j'aime que les gens puissent amener des enfants. Se connecter avec le public est très spécial."

Lake joue également avec plusieurs groupes couvrant tous les genres, de l'Americana, du rock and roll et du blues au disco avec l'un de ses derniers projets, The Machettes.

Elle sera également au dba vendredi avec Debbie Davis, Arsene Delay, Kimberly Kay, Mia Borders et Miss Sophie Lee pour "Women & Witches in Popular Music", qui rend hommage à Stevie Nicks, David Bowie, Dr. John et Erykah Badu, entre autres.

Cet été, elle se rendra en Caroline du Nord pour enregistrer un album aux influences folk et réfléchi. "Je suis assise sur une grande partie de ce matériel depuis une décennie maintenant, mais ça a été une chose après l'autre", dit-elle. "Je suis assez déterminé." -Sarah Ravits

Don Vappie est un natif de la Nouvelle-Orléans qui est connu comme l'un des meilleurs joueurs de banjo au monde.

L'année dernière, il a été intronisé au Temple de la renommée du musée du banjo américain et, en 2021, il a reçu le prix Steve Martin Banjo pour son "incarnation vivante de 300 ans de musique de la Nouvelle-Orléans".

Avec sept albums autoproduits - le plus récent étant "The Blue Book of Storyville" de 2019 - Vappie décrit sa musique comme une célébration de son héritage créole.

"(Ma musique) est créole en ce sens qu'elle est connectée à la Nouvelle-Orléans, comme elle est connectée aux Caraïbes, comme elle est connectée au reste du monde. C'est un mode de vie", déclare Vappie.

Il est fasciné par le banjo dès son plus jeune âge et le considère comme un instrument reflétant la culture créole. Après tout, c'est un instrument d'ascendance africaine, bien qu'il ait longtemps été coopté par les Américains blancs. Cela a poussé de nombreux Afro-Américains à lui tourner le dos, dit-il.

"Toute la construction raciale américaine m'a amené à me plonger dans le sens de ce que c'est que d'être créole", dit-il. "J'ai réalisé que le banjo était un instrument africain et je me suis demandé pourquoi les Noirs le détestaient tant en Amérique. Ma question était : comment un peuple peut-il permettre à un autre de détester quelque chose qui lui appartient ? »

Vappie a découvert que le banjo l'aidait à être fier de son ascendance. De plus, dit-il, il a toujours été un grand fan de Earth, Wind and Fire et d'autres groupes funk, et le banjo percussif lui rappelait un instrument funk.

La musique de Vappie reflète diverses influences sur la Nouvelle-Orléans. "[La musique] fait partie de notre culture", dit-il. "Cela fait partie de notre vie - comme la façon dont vous cuisinez, parlez et construisez votre maison. Tout cela fait partie d'un tout, qui est une sorte de concept africain, en passant par les Caraïbes."

Vappie décrit son style comme "funky comme n'importe quel groupe de funk, swingin' comme n'importe quel groupe de jazz, et c'est dansant", dit-il. "C'est la vérité. Notre musique est la vérité." -Sarah Ravits

Il y a un peu plus d'un an, plusieurs membres de Cha Wa ont annoncé qu'ils quittaient le groupe pour se lancer dans un projet différent, invoquant des "différences internes irréconciliables".

Ensemble, ils ont formé The Rumble, composé désormais du second chef Joseph Boudreaux Jr. des Golden Eagles, du trompettiste Aurelien Barnes, du tromboniste José Maize Jr., du bassiste TJ Norris, du guitariste Ari Teitel, du claviériste Andriu Yanovski et du batteur Trenton O'Neal.

Le groupe n'a pas perdu beaucoup de temps avant de faire ses débuts avec une résidence à Maple Leaf en février 2022. Et depuis, ils ont été occupés à donner des concerts dans toute la ville.

Les membres du Rumble sont profondément ancrés dans les traditions de la Nouvelle-Orléans, notamment les Black Masking Indians, le Northside Skull and Bone Gang et les fanfares de deuxième ligne. Dans ce nouveau chapitre, ils veulent incorporer et honorer ces aspects traditionnels de la culture de la ville, tout en expérimentant de nouvelles idées et de nouveaux sons.

"Nous apportons une expérience complète à la Nouvelle-Orléans", a déclaré Barnes à Gambit l'année dernière. "Cela inclut les Indiens du Mardi Gras. Cela inclut les fanfares. Cela inclut des choses comme Skull and Bones Gang. C'est une approche holistique de la culture de la Nouvelle-Orléans."

Le père de Boudreaux, Big Chief Monk Boudreaux, et les Golden Eagles jouent également au French Quarter Fest à 18h30 samedi sur la scène Chevron. — Kaylee Poche

Le jazz doux et la voix soyeuse de la musique d'Anna Laura Quinn permettent de ressentir facilement le sentiment de voyager doucement dans le temps. Quinn compte parmi ses influences les films Disney de l'époque classique, et ce son est presque palpable lorsqu'elle se produit.

En fait, sur son album de 2022, "Open the Door", elle reprend "Very Good Advice", du film "Alice au pays des merveilles" de 1951.

C'est l'un des neuf arrangements de standards de jazz du premier album de l'artiste basé à la Nouvelle-Orléans et à San Francisco, dont "Comes Love" et "Speak Low". Les chansons comportent du violoncelle, du saxophone, de la flûte et d'autres instruments.

La reprise par Quinn de "Cry Again" d'Ellis Marsalis se démarque sur l'album. "Tout ce qu'il me reste à faire, c'est pleurer, puis soupirer et pleurer à nouveau", se lamente-t-elle.

Quinn est diplômé du programme de maîtrise en études de jazz de l'Université de la Nouvelle-Orléans en 2021 et, dans le cadre du programme, s'est produit avec des musiciens de premier plan comme le trompettiste Terence Blanchard, l'organiste Lonnie Smith et même Marsalis lui-même avant sa mort en 2020.

Son album de 2022 fait suite à un EP de 2018, "I Feel the Sudden Urge to Sing!", Qu'elle a enregistré à San Francisco.

Bien que "Open the Door" soit une écoute facile, pendant le carnaval, vous avez peut-être surpris Quinn dans une capacité d'énergie plus élevée : brouillage et croisière dans les rues sur un engin de bricolage surnommé le "truckuzzi".

Quinn peut être vu dans des lieux comme Snug Harbor, Preservation Hall et Dos Jefes Uptown Cigar Bar. Samedi marque sa première performance au French Quarter Fest. — Kaylee Poche

La voix bourrue et dorée d'Andrew Duhon et sa narration habile se combinent dans un blues simple et folk qui lui a valu le surnom d'"âme sœur de Van Morrison".

Originaire de la Nouvelle-Orléans, Duhon combine la texture du blues avec des notes de folk contemporain.

Bien qu'il ait été un artiste solo pendant une grande partie de sa carrière, Duhon s'est récemment associé au batteur Jim Kolacek et au contrebassiste Myles Weeks.

Kolacek et Weeks apportent une harmonie vocale colorée au son de Duhon que l'on peut entendre dans la chanson titre de leur album de 2022 "Emerald Blue". L'album emmène les auditeurs voyageant avec le groupe dans les montagnes de Washington, puis les ramène à la Nouvelle-Orléans, construisant un "Castle on Irish Bayou". Les auditeurs de toutes les générations se retrouveront à taper du pied de la guitare et à s'imprégner des sons de la nouvelle itération de Duhon. — Boucliers mayas

Seguenon Kone et son ensemble apportent des sons et des traditions de l'Afrique de l'Ouest au French Quarter Fest. Le natif de Côte d'Ivoire imprègne ses sets de percussions, de danses et de contes à haute énergie.

Kone réside à la Nouvelle-Orléans depuis 15 ans et a collaboré avec de nombreux artistes de jazz de la ville, dont le clarinettiste Dr. Michael White, ainsi que le musicien de blues et de zydeco Bruce "Sunpie" Barnes.

Kone brille sur le balafon, une sorte de xylophone en bois, et sur les tambours djembé, qu'il joue à mains nues.

Il y aura aussi beaucoup de chants et chants traditionnels. Et tandis que Kone met fortement en valeur ses racines ouest-africaines, ses influences de la Nouvelle-Orléans transparaissent également dans ses performances animées. -Sarah Ravits

Les Original Pinettes sont une fanfare entièrement féminine qui s'est formée en 1991 à la St. Mary's Academy, une école catholique pour filles.

Depuis lors, ils ont perdu et accueilli de nombreux nouveaux membres et ont apporté leurs talents à travers le monde dans des festivals, dont le Ascona Jazz Festival en Suisse. Ils ont également joué aux côtés de grands noms comme Katy Perry.

Bien qu'ils n'aient cessé de gagner en popularité, le concours de fanfares Red Bull "Street Kings" 2013 a contribué à solidifier leur réputation en tant qu'ensemble de premier plan, lorsqu'ils ont battu trois groupes (menés par des hommes). Le groupe note fièrement que le concours a renommé le titre pour les honorer en tant que "Street Queens".

La fanfare joue également le vendredi soir au Bullet's Sports Bar dans le 7e arrondissement. -Sarah Ravits

Jason Neville, fils du lauréat d'un Grammy Aaron Neville, a formé son groupe en 2016 et incorpore un mélange de funk et de soul, suivant les traces de l'une des dynasties musicales les plus influentes de la ville. Ils se produisent fréquemment sur Frenchmen Street au 30/90 et au Cafe Negril, et dans d'autres lieux locaux. C'est la première fois que le groupe joue au French Quarter Fest et ils interpréteront du matériel original et quelques reprises.

Cet été, Neville et son groupe amèneront le funk sur la route pour une tournée qui s'arrêtera en Alabama, en Géorgie, en Floride et dans le nord-ouest du Pacifique. -Sarah Ravits

L'accordéoniste et chanteuse Rosie Ledet joue de la musique zydeco depuis qu'elle a assisté à une danse zydeco à Richard's dans la paroisse de St. Landry à l'âge de 16 ans et a vu Boozoo Chavis jouer.

La danse a été transformationnelle à plus d'un titre, car elle a également rencontré Morris Ledet, l'homme qui allait devenir son mari environ un an plus tard. Elle a appris à jouer de l'accordéon en écoutant des enregistrements de Chavis et John Delafose, et peu de temps après, le couple a commencé à se produire avec leur groupe The Zydeco Playboys.

Rosie Ledet a sorti 10 albums, dont huit entre 1994 et 2005, et elle a écrit de nombreuses chansons dessus. Elle a ralenti la production ces dernières années - son dernier album complet était "Raw!" de 2015. – mais a continué à jouer et a sorti un single en 2020.

La plupart des chansons de Ledet sont optimistes, souvent avec des paroles suggestives, certaines plus subtiles que d'autres. Mais son single de 2020, "Love Song", est doux et sucré. "Tu es ma chanson d'amour", chante-t-elle dans le refrain. « Ne me fais pas chanter tout seul, bébé. — Kaylee Poche

Ce groupe de country rock de Mandeville sera prêt à huer et à hurler lorsqu'il montera sur scène samedi au French Quarter Fest.

Le 6'7 "Christian Serpas fait face au groupe en chantant et en jouant de la guitare acoustique, avec Jeff Oteri à la batterie, George Neyrey à la guitare et Don Williams à la basse. Tous les membres contribuent au chant.

Christian Serpas & Ghost Town se sont produits ensemble pour la première fois en 1999, et Serpas a plaisanté dans une interview de la WWL en 2021 en disant que le groupe pourrait renouveler ses vœux pour son 25e anniversaire.

Depuis lors, le groupe a sorti huit albums ainsi qu'une sortie de vacances à trois titres, "Rockin 'ol' Christmas", en 2018.

Au fil des ans, ils ont partagé la scène avec certains des plus grands noms de la musique country, notamment Kenny Chesney, Merle Haggard et Blake Shelton.

Le groupe joue des spectacles sur le Northshore, la Nouvelle-Orléans et dans tout le Sud, interprétant des chansons originales ainsi que leurs propres interprétations animées de chansons d'artistes comme Bob Dylan, Johnny Cash et les Rolling Stones.

Et bien qu'ils n'aient pas sorti d'album complet depuis 2016, les fans ne devraient pas s'inquiéter. Le groupe a de la nouvelle musique en préparation. — Kaylee Poche

Le claviériste et chanteur John "Papa" Gros se souvient d'avoir grandi avec des amis qui jouaient aussi du piano. Au lycée, ils faisaient la course pour voir qui serait le premier à apprendre à jouer le dernier hit radio – que ce soit "Jump" de Van Halen ou "Rosanna" de Toto – et s'entraident quand ils étaient coincés.

Les défis amicaux, dont il parle dans son blog, ont été un précurseur de sa longue carrière dans le funk, le blues, le jazz traditionnel et le rhythm and blues.

Gros a fait ses débuts en soutenant l'ancien bassiste de Meters George Porter Jr. et le guitariste Snooks Eaglin, lui donnant une classe de maître en musicalité.

"George Porter Jr. m'a appris à fonctionner dans différents environnements musicaux", a déclaré Gros dans un récent post sur Facebook. "Vous vous adaptez en ayant confiance dans les gens avec qui vous jouez, en faisant confiance à votre éducation et en sachant que vos oreilles vous montreront la voie."

De 2000 à 2013, il a dirigé son propre groupe de funk, Papa Grows Funk, qui a donné des concerts hebdomadaires populaires au Maple Leaf. Lorsque le groupe s'est dissous, cela lui a donné l'occasion de revisiter sa musique solo, et il a sorti deux albums solo complets depuis - "River's on Fire" en 2016 et "Central City" en 2020.

"Central City" présente une foule de légendes de la Nouvelle-Orléans, dont Ivan Neville, le batteur Herlin Riley et même son vieil ami Porter, entre autres. Il comprend des morceaux originaux ainsi que des reprises de chansons d'Allen Toussaint, John Prine et Lloyd Price. — Kaylee Poche

Les randonneurs perdus du Bayou

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Le fils du pionnier du zydeco Rockin' Dopsie, David Rubin, alias Rockin' Dopsie Jr., a grandi en écoutant le groupe de son père et en fréquentant des grands noms de la musique, comme BB King, Clarence "Gatemouth" Brown et Dr. John. Il a rejoint le groupe de son père et ils ont joué ensemble jusqu'à la mort de son père en 1993.

Lors de son premier spectacle après le décès de son père, Dopsie dit que Gatemouth Brown lui a dit: "Maintenant, tu es Rockin 'Dopsie. Tu dois faire l'héritage, le maintenir." Showman naturel, il a repris les Zydeco Twisters, dirigeant le groupe et jouant de la planche à laver.

"A partir de ce jour, j'ai fait ce qu'il m'a dit, et je n'ai jamais regardé en arrière", dit Dopsie.

Alors que le senior Dopsie jouait une version de zydeco fortement influencée par le blues, le junior Dopsie infuse une variété d'influences musicales allant de James Brown aux Rolling Stones, BB King, Johnnie Taylor et John Fogerty.

"J'ai fait quelque chose que mon père a dit qu'il n'aurait jamais fait", dit Dopsie. "J'ai ajouté une section de cuivres et un organiste/claviériste et un harmonica parce que je savais ce que j'aimais entendre. J'aime le son d'un big band."

Dopsie Jr. s'est également fait un nom avec ses singeries animées sur scène, notamment en se séparant en scissions. Il est même passé de l'accordéon, comme son père en jouait, à la planche à laver pour qu'il puisse facilement le poser et danser autour de la scène.

Il a appris du cousin de son père, le joueur de planche à laver Chester "Shorty" Zeno, qui, selon lui, ramasserait d'une manière ou d'une autre des meubles, comme une table ou une chaise, avec sa bouche tout en jouant. Lorsque Zeno ne pouvait plus jouer, l'aîné Dopsie a demandé à son fils de jouer des festivals à l'adolescence à la place de Zeno. L'attente : Apporter un spectacle.

"Je me souviens lui avoir dit : 'Je ne peux pas ramasser de tables ou de chaises avec mes dents. Mais je peux danser, je peux faire des grands écarts'", raconte Dopsie Jr.

Ces jours-ci, Dopsie Jr. travaille sur plusieurs albums, dont un composé principalement de chansons originales et un autre avec son frère Dwayne Dopsie sur les chansons de leur père. Il a également été approché pour faire un album de couverture séparé de ses chansons préférées.

Et bien que Dopsie Jr. n'entre jamais avec une setlist, attendez-vous à un set énergique lorsqu'il clôturera la scène Chevron au French Quarter Fest dimanche soir, avec des reprises de The Doobie Brothers, James Brown et les Rolling Stones. Dwayne Dopsie et les Zydeco Hellraisers prennent la même scène à 14 h 10. Ce sera l'un des nombreux festivals que Dopsie Jr. a alignés cette année, notamment Jazz Fest, MayFest à Abbeville et bien d'autres dans le Sud et à l'étranger.

"Je veux que les gens quittent mon émission en disant:" Oh, mon Dieu, mec, Rockin 'Dopsie m'a épuisé "", dit-il. "Je veux qu'ils soient fatigués quand mon set est terminé. Si je suis fatigué, je veux qu'ils soient fatigués. Je veux qu'ils dégagent la même énergie que moi. Je veux que tout le monde transpire et passe juste un bon moment … Je veux qu'ils dansent jusqu'à ce qu'ils aient le vertige. C'est mon truc. — Kaylee Poche

Appeler Wanda Rouzan un incontournable du French Quarter Fest pourrait être un euphémisme. La chanteuse de R&B et de jazz traditionnel dit qu'elle ne se souvient d'avoir manqué de jouer au festival qu'une seule fois en 40 ans.

"Nous avons clôturé le premier French Quarter Fest alors qu'il n'y avait qu'une scène", dit-elle.

L'année dernière, même une tempête n'a pas pu l'empêcher de se produire au festival. "Cette tempête est arrivée, nous l'avons vue venir, elle a soufflé et j'ai quand même pu faire une demi-heure", dit-elle, "Ces gens étaient trempés et ils s'en fichaient."

La présence de Rouzan au French Quarter Fest n'est qu'une tranche de sa carrière dans le show business qui a duré la majeure partie de sa vie et a inclus le chant, la danse, la chorégraphie et le théâtre.

Enfants, Rouzan et ses sœurs ont commencé à se divertir dans leur quartier du 7e arrondissement. Ils ont appris à chanter en s'harmonisant avec les disques - les Andrews Sisters, Ray Charles et les Boswell Sisters - que ses parents, également musiciens, jouaient. Sa grand-mère maternelle Abigail Pellebon était également chanteuse de vaudeville à la Nouvelle-Orléans, et des musiciens comme Lee Dorsey et la famille Brunious travaillaient et vivaient à proximité.

"Historiquement, la musique était dans la famille", dit-elle. "Ce n'était pas seulement dans la famille, mais c'était dans le quartier."

Les Rouzan Sisters ont sorti leur single "Men of War" en 1964, enregistré avec Frisco Records et interprété comme choristes pour le chanteur de R&B de la Nouvelle-Orléans Danny White. Ils ont également travaillé avec le compositeur Wardell Quezergue, le chanteur et pianiste Tommy Ridgley et The Dixie Cups. Mais lorsqu'ils se produisaient dans des clubs, ils étaient obligés d'utiliser la porte dérobée en raison de la ségrégation raciale.

"À cette époque, alors que nous aimions ce que nous faisions et que nous étions de grands artistes, nous recevions toujours un traitement de seconde classe en tant que musiciens", déclare Rouzan.

Pour son set French Quarter Fest cette année, Rouzan prévoit de chanter des reprises d'Irma Thomas et de Fats Domino ainsi que des originaux, dont "If You Care", influencé par la country. Elle dit qu'elle s'est penchée sur des chansons plus anciennes de l'ère R&B parce que de nombreux musiciens locaux de l'époque sont décédés depuis.

"Mon groupe est un groupe de 'chant et danse, sautez sur vos pieds, passez un bon moment'", dit-elle.

Rouzan dit qu'elle espère sortir un nouvel album avec ses amis John Boutte et George Porter Jr. et recommencer à tourner. Elle a également une apparition à la télévision nationale lors du Jazz Fest et une croisière avec Black Cat Productions à l'automne.

Les fans peuvent également voir Rouzan au Jazz Fest lorsqu'elle se produira à la Blues Tent le vendredi 28 avril. Elle prévoit de profiter du festival par la suite et est enthousiasmée par un artiste en particulier.

"Aussi vieux que soit mon corps, je vais être là avec Lizzo", dit-elle. — Kaylee Poche

Ayant grandi en tant qu'enfant de prédicateur, Tonya Boyd-Cannon a chanté de la musique soul toute sa vie. Mais elle dit que ce n'est qu'il y a environ huit ans qu'elle a vraiment commencé à comprendre ce qu'était l'âme.

"Souvent, la musique soul n'obtient pas l'attention et le crédit qu'elle mérite en tant que plate-forme propre", dit-elle. "Alors que les éléments de la musique soul sont dans des tonnes d'autres genres, la musique soul en elle-même a été fondamentalement mise de côté."

Bien que Boyd-Cannon puise dans une variété d'artistes et de genres, la soul est toujours restée la ligne directrice.

"Je monterais sur scène avec des artistes et je jouerais ma musique, mais je jouerais aussi avec d'autres artistes et je collaborerais avec d'autres artistes", a déclaré Boyd-Cannon. "Et ils disaient:" Tonya, je ne sais pas ce que c'est, mais c'est tellement émouvant. ""

Boyd-Cannon a participé à "The Voice" en 2015 et a sorti son deuxième album, "Muzic is Life" plus tard cette année-là. Elle travaille sur son troisième album depuis 2018, mais beaucoup de choses ont changé au cours des cinq dernières années, et elle dit que des chansons qu'elle pensait auparavant prêtes ne le sont plus.

Lors d'un récent voyage depuis Cuba, Boyd-Cannon a interprété des chansons qu'elle a écrites il y a une dizaine d'années, et elle dit que la foule lui a dit que les chansons les faisaient se sentir chez eux. Lorsqu'elle leur a demandé ce qu'ils entendaient par là, "ils disaient souvent un espace sûr pour être juste moi", dit-elle.

"C'est ce que je veux apporter aux gens, juste pouvoir trouver cet espace sûr où que vous soyez", dit-elle. "J'espère apporter la liberté, la transparence et la guérison à travers la musique."

Tout en retravaillant l'album et en jouant avec le titre, Boyd-Cannon accorde une attention particulière à la puissance des paroles, quelque chose qu'elle apprend en obtenant sa maîtrise dans le nouveau programme de musique noire américaine de l'Université de Tulane fondé par Nicholas Payton et Jessie McBride.

"Les mots font mal, mais les mots peuvent aussi guérir", dit-elle. "Les mots peuvent aussi vous permettre de faire un voyage pour trouver ce que vous cherchez."

Au French Quarter Fest, Boyd-Cannon a hâte de jouer près du fleuve Mississippi et d'écouter les autres artistes. Pour son set, elle jouera "In New Orleans", qu'elle a écrit il y a une dizaine d'années alors qu'elle enseignait à McDonogh 15 et emmenait les étudiants en excursion dans le quartier français. Elle chantera également "Love that Never Ends" de son album de 2015 ainsi que l'hymne classique "This Little Light of Mine"

"'Love That Never Ends' est une chanson qui demande à ton amour d'être patient parce que je sais ce que je veux, mais j'ai juste besoin que tu sois patient avec moi pour que je puisse me trouver tout en me donnant de l'amour à te donner ," elle dit. — Kaylee Poche

La musique a toujours été une affaire de famille pour Louis et André Michot. Ils sont issus d'une grande famille de musiciens cajuns et ont grandi en jammant avec leur père et leurs oncles. Les frères ont formé les Lost Bayou Ramblers en 1999 et ont remporté un Grammy Award en 2018 pour leur album "Kalenda".

Le leader Louis Michot est un virtuose du violon et de l'accordéon, avec une voix incomparable qui résonne bien au-delà des marais.

Et si le groupe met en valeur les traditions françaises cajuns, les artistes écrivent du matériel original qui est plus contemporain.

Le public peut s'attendre à entendre des valses traditionnelles acadiennes, ainsi que des chansons avec des éléments punk, rock et pop. Les Ramblers sont connus pour leurs talents d'improvisation et d'expérimentation.

Lors d'un récent spectacle solo, Louis Michot a interprété sa version du hit new wave/synthé "Take on Me" de A-Ha, et il collabore fréquemment avec des membres du groupe punk celtique, The Pogues.

"On ne sait jamais à quoi on va jouer", dit Michot. "Nous sommes spontanés." -Sarah Ravits

Rory Danger et les dangers des dangers

15h45-17h10 dimanche

WWL-TV Esplanade in the Shade Stage (New Orleans Jazz Museum at the Old US Mint)

Aurora Nealand est un caméléon d'artiste. Elle est largement connue pour ses talents de musicienne de jazz qui chante et joue du saxophone et de la clarinette. Mais elle brille également en tant que son alter-ego excentrique et ludique, Rory Danger.

En tant que Rory Danger, Nealand dirige les neuf morceaux Danger Dangers, un supergroupe rockabilly d'artistes locaux, infusé de pop, comprenant des membres de Johnny Sketch et des Dirty Notes, Debauche et Misfit Power.

C'est une performance qui intègre la théâtralité, car chaque artiste joue un personnage, et il y a aussi beaucoup d'interaction avec la foule. Rory est connue pour proposer un thème pour chaque émission, il n'est donc pas surprenant de voir sa suite culte locale habillée en conséquence.

Nealand joue également un set de jazz plus traditionnel avec The Royal Roses le samedi de 11h15 à 12h30 au Zapp's Potato Chips Stage sur Bourbon Street. -Sarah Ravits

Bien qu'ils viennent d'horizons musicaux différents, le bassiste David Anderson, le batteur Tom Chute et le guitariste de pedal steel Dave Easley fusionnent pour former le trio jazz et funk ACE - un nom qu'ils ont reçu du regretté guitariste de blues Coco Robicheaux.

Anderson joue de plusieurs basses électriques ainsi que d'un piano droit acoustique pour les sessions axées sur le jazz, et le bassiste Jaco Pastorius lui a enseigné le croisement entre le jazz et la musique classique.

Pendant ce temps, Chute a étudié les formes de musique autochtones et a joué dans divers groupes. De même, Easley a joué dans plusieurs projets différents, notamment The Heartifacts, 3 Now 4 et Brian Blade Fellowship, et a joué avec George Porter Jr., Cyril Neville et le Dr John.

En 2021, le trio a sorti "Adventures of the Moss Bear", qui contient cinq improvisations de forme libre et un morceau original d'Easley, "Slender Forest". Kass Krebs chante sur ce morceau folk rock avec des notes de surf rock, y compris les paroles beaucoup trop relatables, "I'm too sleepy for the morning light".

La nature improvisée des autres pistes les rend plus longues qu'une chanson pré-arrangée. La plus longue est la piste titulaire, avec un peu plus de 18 minutes, tandis que "Pop Medley From Outer Space" dure plus de 12 minutes.

Le trio peut être vu sur Frenchmen Street, notamment à Snug Harbor et Blue Nile, et dans toute la ville. — Kaylee Poche

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