Les Grammys

Photo : Rick Kern/WireImage

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Avant le festival BottleRock 2023 dans la Napa Valley en Californie, qui se tiendra du 26 au 28 mai, découvrez quelques-uns des artistes prometteurs qui se produiront sur les quatre scènes du festival.

Environ 120 000 personnes se rendront dans la région viticole de Californie du 26 au 28 mai pour le 10e festival BottleRock, qui propose de la musique, de la nourriture et des libations à la Napa Valley Expo. BottleRock se penche sur l'expérience de la nourriture et des boissons : sur les réseaux sociaux, ils se définissent comme "un festival gastronomique avec de la musique en arrière-plan".

Sur la scène culinaire du festival, des têtes d'affiche musicales rejoignent des chefs célèbres et des personnalités pour des démonstrations culinaires : lors de festivals passés, Martha Stewart a haché des légumes aux côtés du rappeur de Seattle Macklemore, et Snoop Dogg a roulé des sushis avec l'Iron Chef Masaharu Morimoto. Plus d'une dizaine de caves y participent, ainsi que des brasseries et des distilleries. Le festival propose également une discothèque silencieuse, un spa, des jam sessions pop-up et des installations artistiques.

Mais les boissons, la nourriture, l'art et les massages ne sont pas les gros titres : répartis sur quatre scènes musicales, plus de 20 artistes musicaux se produisent chaque jour. Post Malone et Smashing Pumpkins en tête d'affiche vendredi, Lizzo et Duran Duran samedi, et Red Hot Chili Peppers et Lil Nas X en tête d'affiche dimanche. Des numéros de renom bien connus joueront des sets de début de soirée : Billy Strings et Bastille vendredi, Leon Bridges et Japanese Breakfast samedi, Wu-Tang Clan et National dimanche.

Une poignée d'actes du festival figureront également à BottleRock Presents "after show" dans des salles à Napa, San Francisco et dans la région de la baie du 23 au 28 mai. Certaines de ces représentations d'après-spectacle sont épuisées, mais des billets sont toujours disponibles pour Cautious Clay, Lucius, les Wrecks et plusieurs autres actes. Au moment d'écrire ces lignes, les billets de festival de trois jours sont épuisés, mais des billets individuels à la journée sont toujours disponibles.

En plus des nombreux grands noms de l'affiche, des artistes remarquables plus bas dans la liste se produiront à partir de midi environ. Représentant la pop, le punk, le blues, le hip-hop, le rock indépendant et plus encore, les 10 artistes émergents suivants se distinguent par leur originalité, leur style et leur approche.

Matthew Osivwemu, né à Oakland en Californie et élevé à Napa, rappe sous le nom d'Oke Junior. Il a fait de la musique tout au long du collège et du lycée : sa chanson « Elmhurst » fait référence au Elmhurst Middle School d'Oakland.

Un frère aîné a encadré Osivwemu, encourageant ses premières activités musicales et s'assurant qu'il était un étudiant du jeu de rap. "La première fois que j'ai rappé pour lui, j'ai pensé que j'étais brut. Il a tout cassé et a dit 'Mec, ce n'est pas ça. Si tu vas rapper, tu dois t'assurer que ça a un sens… ne fais pas être ici juste pour dire n'importe quoi", a déclaré Osivwemu lors d'une interview "Sway in the Morning" l'année dernière.

En 2017, le rappeur hyphy d'Oakland Mistah FAB a repéré Osivwemu lors de soirées à micro ouvert à Sacramento et a pris le jeune rappeur sous son aile. En 2016, Oke Junior a tweeté qu'il aurait aimé pouvoir se produire à BottleRock, puis a rejoint Too Short sur scène en 2019. Il se produira à 13 heures sur la Truly Stage dimanche.

Erik Alejandro Iglesias Rodríguez, alias Cimafunk, est un chanteur cubain qui interprète de la musique afro-cubaine funky avec un groupe de neuf musiciens avec une intensité énergétique qui a établi des comparaisons avec James Brown.

Pour son album El Alimento de 2021, il a collaboré avec Lupe Fiasco, CeeLo Green et la légende du funk George Clinton, une expérience qui, selon lui, était comme "parler à un ami". L'album a été nominé pour un GRAMMY Award du meilleur album de rock latin ou alternatif aux GRAMMY Awards 2023.

Rodríguez a grandi dans une communauté soudée de l'ouest de Cuba, entourée de musique : musique mexicaine, musique chrétienne et salsa, mélangées à des rythmes africains. "Nous avions une grande famille. Nous dansions toujours à la maison et tous les dimanches, nous dansions – de la salsa et d'autres types", a déclaré Rodríguez à GRAMMY.com. "Tout le monde aimait la musique et nous écoutions tous de la musique toute la journée. Dans n'importe quelle maison, à un moment donné, de nombreux types de musique jouaient - la musique mexicaine, le reggaetón, Lionel Richie ou Michael Jackson, c'était mon préféré."

Cimafunk se produit dimanche à 16h15 sur la scène Allianz.

Ponder, un ancien défenseur public de Rochester, New York, est également un puissant chanteur de R&B/soul qui s'est produit dans des talk-shows de fin de soirée et dans des festivals comme Bonnaroo et Lollapalooza. Ponder était sérieuse au sujet de son travail juridique, mais faisait également de la musique à côté pendant plusieurs années. Elle a fait le saut à plein temps vers la musique après avoir eu 40 ans.

Sorti en 2022, le premier album de Ponder, Some of Us are Brave, est rempli de pétards optimistes et spirituels et de confessionnaux relaxants. La musique recule souvent, permettant à Ponder l'espace calme pour transmettre aux auditeurs qu'elle ressent leur douleur et leur joie, et qu'elle veut les élever. La chanson-titre de l'album est un hymne opportun pour la justice sociale : "tout ce que nous voulons, c'est être nous-mêmes... nous ne voulons pas de problèmes", chante-t-elle.

"Nous avons fait un album et tout pendant nos études de droit. J'ai toujours eu l'impression que je ne voulais pas me débattre. J'avais cette peur de l'instabilité financière, et donc je me disais, je ne peux pas faire de la musique à plein temps. Mais finalement, ça m'a tiré", a-t-elle déclaré à NPR.

Ponder se produit à 13 h 45 samedi sur la scène Jam Cellars.

Ce duo hip-hop de Pennsylvanie, avec ses vibrations Beastie Boys arrogantes et énergiques et ses références à la culture pop sur des sujets tels que Star Wars et les produits frais, apporte une forte dose de farceur, style hip-hop des années 90 - mais d'un adolescent humoristique Gen Z perspective. Faites défiler vers le bas de leur page Spotify et vous verrez ceci : "Qui lit les bios de Spotify."

Les rappeurs-producteurs – de leurs vrais noms Joey Bertolino et Braedan Lugue – sont des fans de longue date des premiers innovateurs du rap comme Biz Markie, Eric B. & Rakim et les Beastie Boys, mais aussi EDM. Ils se sont rencontrés à la Penn State University et attribuent tous deux à leurs pères d'être de grandes inspirations musicales. Le duo fait la plupart de sa musique dans la chambre de Valance. "Il vient et on s'amuse jusqu'à ce que quelque chose d'amusant en ressorte, ce qu'on adore", a déclaré Valence à Ones To Watch.

Après avoir gagné du terrain sur TikTok, le duo a interprété sa chanson "Double Jump" sur le "Ellen DeGeneres Show" et a remporté un grand prix de 10 000 $ pour le concours de talents. Ils comptent désormais plus de 850 000 abonnés sur TikTok.

Joey Valance & Brae se produisent à 19h15 dimanche sur la Truly Stage.

La chanteuse d'origine suédoise a une histoire d'évasion enviable En mars 2020, au début du verrouillage de la pandémie, Latour - qui était étudiante à l'Université de Columbia - a publié une vidéo d'elle-même chantant "One More Weekend", une chanson optimiste sur le chagrin d'amour à l'université, pour TikTok, où il a depuis été visionné plus de 455 000 fois. Un an plus tard, Latour postulait à des emplois d'été lorsque des maisons de disques l'ont approchée et elle a signé avec Warner Records. L'été dernier, elle s'est produite au Lollapalooza le même jour que Metallica.

Enfant de journalistes, Latour a étudié la philosophie à l'université et ses chansons explorent une gamme d'émotions liées aux relations, à la mort, aux chambres en désordre et à l'existentialisme.

"Je me sens connectée à cette prise de conscience irrésistible de ma mortalité. C'est ce qui rend la vie belle. C'est mon "merci" à l'existence", a-t-elle déclaré à Billboard.

Maude Latour se produit à 14 h 45 samedi sur la scène Allianz.

Ayant grandi à Oahu, Thunderstorm Kahekhili Artis a joué dans un groupe familial avec son père, Ron Artis, un artiste et musicien de session Motown qui a joué avec des artistes tels que Michael Jackson, Van Halen et Stevie Wonder.

Après une tournée avec son frère aîné Ron Artis II, Thunderstorm a été invité à se produire lors du mariage du réalisateur de Crazy Rich Asians Jon M. Chu, et a été finaliste de la saison printemps 2020 de "The Voice", où il a interprété "Blackbird " des Beatles et des chansons d'artistes comme Louis Armstrong.

Thunderstorm a continué à interpréter ses mélanges de musique folk, rock, soul et country aux côtés d'artistes comme Jack Johnson et Booker T. Il est connu pour jouer des interprétations de chansons d'artistes tels que David Bowie, Leonard Cohen et Elton John.

Thunderstorm Artis se produit à 12h15 dimanche sur la scène Verizon.

Le joueur de 21 ans de Miami a abandonné le Berklee College of Music en 2021 pour poursuivre la musique à plein temps. Elle combine la guitare, le piano et le saxophone avec des rythmes électroniques pour faire de la pop onirique de mauvaise humeur.

Valentine a déclaré qu'elle adorait regarder des vidéos de ses artistes préférés avant de monter sur scène, énumérant un who's who des stars du rock célèbres qui l'inspirent : "Thom Yorke de Radiohead. Mitski. J'aimais Kanye - plus tellement maintenant. James Blake. Axl Rose est très théâtral. Fiona Apple est cool et très effrayante."

Valentine a sorti Tonight I Don't Exist, un EP de sept chansons de pop de chambre, l'année dernière, et plus récemment a sorti une vidéo pour la chanson "Next Life" de cet EP.

Ayleen Valentine se produit à 12 h 30 vendredi sur la scène Jam Cellars.

La foule dansante et dansante et les lumières éclatantes d'un spectacle Meute ressemblent presque exactement à n'importe quelle scène de club moyenne, mais au lieu d'un DJ, de platines et d'ordinateurs portables, les foules voient 11 personnes portant des uniformes de fanfare et tenant des cuivres.

Comme la plupart des fanfares, le collectif de cuivres allemand de 11 musiciens Meute propose des harmonies luxuriantes et des solos de cor expressifs soutenus par des percussions de fanfare. Mais Meute est une "fanfare techno", qui vise à créer une ambiance de club hypnotique et énergique avec des instruments de fanfare. Le fondateur et trompettiste de Meute, Thomas Burhorn, aimait l'extase et l'intensité des raves, mais pensait que ce serait plus intéressant et excitant s'il y avait un groupe live sur scène au lieu d'un DJ.

"Nous faisons des interprétations… C'est une belle partie de l'art et une belle partie de l'histoire de la musique… quand vous pouvez donner quelque chose de nouveau à la composition, quand vous pouvez la voir d'un autre point de vue, c'est une belle chose", a déclaré le fondateur de Meute. et le trompettiste Thomas Burhorn à Variety.

Le groupe a fait une tournée dans 18 villes d'Amérique du Nord l'été dernier et s'est produit au festival de musique et d'arts de Coachella Valley de Goldenvoice.

Meute se produit à 20h45 samedi sur la scène Allianz.

Les membres de The Alive sont des adolescents du sud de la Californie, mais ils font de la musique qui ressemble à un collage de rock alternatif des années 90 et du début des années 2000.

"Nous avons grandi en faisant du surf et du skate. Dans la voiture, nos parents ont commencé à jouer de la musique", a déclaré le chanteur et guitariste Bastian Evans à un intervieweur. "Je n'ai pas fait attention les quatre ou cinq premières années de ma vie - mais après un certain temps, j'ai commencé à vraiment écouter ce qui jouait et j'ai eu une connexion avec certains groupes, en particulier Queens of the Stone Age. Mon père on y jouait tout le temps le matin, surtout sur le chemin de l'école."

The Alive s'est produit au Lollapalooza Chile et à l'Ohana Fest, et a ouvert la scène principale au BottleRock en 2021 et a joué un spectacle après la fête avec son collègue musicien de Laguna Beach Taylor Hawkins et son ancien groupe parallèle Chevy Metal.

The Alive a été nommé l'un des "30 Under 30 Culture Shifters of Tomorrow" du magazine Stab et a donné des concerts-bénéfice pour la Surfrider Foundation, Surfers Against Sewage en Angleterre, Sustainable Coastlines Hawaii et Save The Waves.

The Alive se produira à 12h30 dimanche sur la scène Jam Cellars.

Lorsque Christone "Kingfish" Ingram, 24 ans, a remporté le prix du meilleur album de blues contemporain aux GRAMMY 2022, il a déclaré à la foule : "Pendant des années, j'ai dû m'asseoir et regarder le mythe selon lequel les jeunes enfants noirs ne sont pas dans le blues, et J'espère juste pouvoir montrer au monde quelque chose de différent."

Son premier album, Kingfish, produit par Tom Hambridge, est sorti sur Alligator Records en 2019 et lui a valu une nomination pour le meilleur album de blues traditionnel aux 62e GRAMMY Awards annuels.

Ingram a grandi à Clarksdale, Mississippi, jouant de la batterie, de la basse et de la guitare. Il a étudié la musique au Delta Blues Museum avec Bill "Howl-N-Mad" Perry et Richard "Daddy Rich" Crisman, et jouait des concerts dans toute la ville en septième année.

En 2014, il a joué pour Michelle Obama à la Maison Blanche avec le groupe du Delta Blues Museum. Ingram rejoint un long héritage d'artistes issus de Clarksdale : John Lee Hooker, Ike Turner, Sam Cooke, Muddy Waters ne sont que quelques-uns.

Christone "Kingfish" Ingram se produit à 17h45, dimanche sur la scène Allianz.

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Photo: Jacob Shije

entretien

"Je ne veux pas être sous les feux de la rampe. Je ne veux pas être une superstar", a déclaré le guitariste à GRAMMY.com. Mais sous les feux de la rampe ou pas, Levi Platero éclaire la voie à suivre pour le blues-rock dans les communautés autochtones.

En 2022, Levi Platero a parlé à GRAMMY.com de son nouvel album, Dying Breed. Deux jours plus tard, un bus de la ville a percuté sa camionnette de tourisme.

Le guitariste de blues-rock arizonien, originaire de l'agence orientale de la nation navajo, était en tournée sur la côte ouest. Après le déjeuner au centre-ville de Portland, kaboom : leur van a été détruit. En entendant parler de cet appel rapproché, quelque chose de poignant que Platero avait dit lui est venu à l'esprit.

"Je veux juste pouvoir continuer, mec. Surtout avec la musique blues, tu peux en quelque sorte jouer pour toujours", a-t-il déclaré vers la fin de l'interview. "Je ne veux pas rejeter d'autres genres musicaux, mais je ne me vois pas être un rappeur à, genre, 60 ou 70 ans. Je peux me voir être un gars de blues-rock jusqu'au jour de ma mort."

En regardant des décennies dans le futur, il est difficile de ne pas imaginer Platero et sa musique soutenus par la communauté qu'il a aidé à créer.

Un brûleur absolu sur son instrument – ​​voici les faits saillants de Dying Breed comme "Fire Water Whiskey" et "Red Wild Woman" à titre d'exemples - il se tient avec quelques autres comme un grand blues-rock de la nation Navajo. Ou juste un, selon lui : Mato Nanji du groupe Indigenous, qu'il appelle affectueusement « Big Brother ».

Peut-être que Platero – qui envisage une nouvelle camionnette et se prépare à retourner en studio à la fin du printemps – inspirera également d'autres personnes dans son sillage. Et plus il chante et joue, plus ce résultat semble probable - que sa "race mourante" s'épanouisse pour toujours.

Lisez la suite pour une interview approfondie avec Platero sur son dernier album, comment l'autochtone inspire son talent artistique et pourquoi il "ne veut pas être une superstar - j'adore jouer".

Cette interview a été modifiée pour plus de clarté.

Parlez-moi de votre parcours et de la communauté musicale qui vous a élevé.

J'ai grandi à l'église. Mon père était évangéliste. Il est sorti, a fait des choses pour l'église et ce genre de communauté. Je suivais parfois, mais je m'impliquais dans la conduite de la louange et des trucs comme ça. Mais mon père écrivait ses propres morceaux, et il ferait sa propre musique plus tard. Et je sortais et l'aidais juste à jouer de la batterie. J'étais juste dans la zone de fond.

Plus tard, j'ai commencé à jouer de la guitare et à écouter beaucoup de vieux airs de gospel et d'hymnes gospel. C'est là que j'ai découvert le blues. Et après avoir découvert le blues, à partir de là, c'est tout ce que j'ai vraiment écouté.

Maintenant, beaucoup de choses ont changé. Je suis dans le monde en train de faire mon propre truc et d'écrire ma propre musique sur certaines choses que je ressens - pas nécessairement quelque chose qui a à voir avec la communauté de l'église. Mais, c'est là que j'ai commencé.

Quelle est votre conception du blues ? Pour moi, c'est un peu comme le mot punk. Cela peut être une certaine façon de jouer des accords de puissance, ou tout un état d'être - une opposition au statu quo. De même, le blues peut signifier 12 mesures, ou la totalité de l'angoisse humaine.

Je pense que c'est probablement la forme d'émotion musicale la plus brute que je puisse ressentir - que j'aie jamais vraiment ressentie pour moi-même. Mais ce n'est que ma propre opinion. C'est ma perception des choses. J'entends toujours beaucoup de gens dire que c'est un peu redondant, et c'est un peu ennuyeux et ainsi de suite. Mais pour moi, c'est quelque chose de vraiment brut, émotionnel, vraiment simple.

Et en ce qui concerne le style de vie, je veux dire, je dois dire qu'en faisant partie d'une communauté de blues, je suis vraiment [enraciné parmi] les gens qui sont vraiment respectueux.

Et les gens qui sont le plus respectés sont ceux qui n'ont généralement pas le plus de talent, mais collectivement, c'est une personne formidable — ils ont une grande personnalité. Ils apprécient vraiment la musique de l'autre, et ils sont vraiment impliqués dans la communauté du blues où ils s'entraident, ou ils obtiennent les concerts de l'autre, ils s'assoient.

C'est juste cette dynamique vraiment amicale dans ce domaine. Plutôt agréable. Je l'aime.

Vivants ou morts, que vous les connaissiez ou non, qui sont les guitaristes qui vous ont formé ?

Je dois dire que ma plus grande influence a été Mato Nanji d'Indigenous. C'était un groupe de blues-rock amérindien à l'époque, probablement au début des années 2000. Ils se sont fait un très bon nom dans le circuit du blues, et j'ai [eu] l'opportunité de voyager et de m'ouvrir pour lui et aussi de rejoindre son groupe.

J'ai vraiment beaucoup appris en traînant avec lui et en faisant simplement partie de son groupe. Il est l'une de mes plus grandes influences à la guitare et en tant que personne - en tant que modèle.

Sinon - des gens que je n'ai pas rencontrés - je dois dire, bien sûr, Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughan. David Gilmour était une bonne influence. Doyle Bramhall II — petit Doyle, grand Doyle.

Et puis aussi loin que dans ma communauté, à Albuquerque, Darin Goldston - il joue pour les P-Tails de Memphis. Il anime le blues jam tous les mercredis soirs. Celui qui arrive et veut juste jouer du blues, il sort et jamme. C'est assez génial.

Et, bien sûr, Ryan McGarvey. Si vous ne savez pas qui c'est, il fait partie du circuit blues-rock. C'est un gars formidable - une personne assez influente.

Avec toutes ces inspirations sur la table, comment avez-vous commencé à développer votre propre voix à la guitare ?

Juste être bien assaisonné, je suppose. Juste constamment jouer au fil du temps. Pour certaines personnes, ça ne se fait pas tout de suite, de trouver leur propre son. Avec d'autres personnes, ils doivent traverser des saisons et apprendre de nouvelles choses, jusqu'au jour où ils deviennent vraiment identifiables rien qu'aux premières notes qu'ils jouent.

Je ne pense pas que ce soit une chose difficile pour moi. Je jouais juste jusqu'à ce que ça commence à devenir identifiable aux oreilles de certaines personnes.

Je suis sûr que les influences spécifiquement autochtones doivent se retrouver dans votre son d'une manière ou d'une autre.

Ouais, bien sûr. Je veux dire, ces motifs de batterie, ces rythmes de batterie - ils sont vraiment similaires à tous ces trucs de gangs en chaîne qu'ils faisaient à l'époque. Ces appels et répétitions et des trucs comme ça.

Parfois, j'essaie d'intégrer cela dans certaines de mes musiques. Les influences indigènes sont là, jusque dans les bijoux et les chapeaux. Même en ce qui concerne un peu de conception graphique. Ce truc fait définitivement son chemin dans la partie mode et la promotion.

Dites-moi ce que vous essayiez de transmettre artistiquement avec Dying Breed.

Je voulais juste sortir un album, parce que j'en avais besoin. J'adore écrire ma propre musique, et bien sûr, le but ultime est de faire de la musique qui inspire et touche les gens - et inspire également les artistes autochtones et les habitants des réserves à poursuivre ce qu'ils veulent.

Parce que c'est comme : ouais, il y a de l'éducation au rez-de-chaussée, mais en ce qui concerne les points de vente – mode, musique, art, cinéma – certaines de ces choses ne vont pas jusqu'à la réservation.

Donc, le simple fait d'être un artiste autochtone en soi – être capable d'écrire et de diffuser de la musique comme ça, pour que les autres l'entendent – ​​je suppose que c'est en quelque sorte l'accomplissement ultime dans ce que j'essaie de faire. Juste pour continuer à inspirer les gens - inspirer les miens, des natifs de tous les États-Unis

Pouvez-vous parler de vos collaborateurs sur Dying Breed ?

C'est en fait assez drôle, parce que je fais la majeure partie du travail sur l'album.

J'ai fait toutes les guitares. J'ai fait toutes les guitares basses. J'ai fait le chant principal. Mon cousin [Royce Platero] faisait de la batterie. Je n'avais que mon rythmique [Jacob Shije] qui jouait sur, genre, deux pistes, et il ne faisait que des guitares à petit remplissage et c'est tout. J'ai eu un bon ami à moi nommé Tony Orant qui est venu jouer les touches sur deux des chansons également.

En ce qui concerne toutes les chansons, je les ai toutes écrites. J'ai tout composé. Je suis venu avec les arrangements et les progressions de base. Je veux dire, tout est à moi.

Une de mes personnes et producteurs préférés en ce moment, un ingénieur du son qui m'a aidé avec l'album : il s'appelle Ken Riley et il est basé à Albuquerque. Il a un très beau et impressionnant vieux studio d'enregistrement en adobe, juste à côté du Rio Grande. Ça s'appelle Rio Grande Studios. C'est une sorte de légende. Il a travaillé avec tant d'artistes et travaille toujours avec de grands noms, des artistes majeurs.

Je pense qu'il a récemment travaillé sur l'album de Micki Free. Il a travaillé sur quelques chansons avec Santana et Gary Clark Jr. Christone ["Kingfish"] Ingram. Il travaille avec des poids lourds, et je l'ai approché. Je lui ai été présenté par un de mes amis nommé Felix Peralta. Il m'a dit de rencontrer ce gars et m'a dit : "Tu dois faire ton prochain album ici."

Donc, nous avons finalement pu nous rencontrer, moi et Ken, et tout est parti de là et tout s'est très bien passé. J'apprécie vraiment ce disque. C'est probablement mon préféré que j'ai fait jusqu'à présent.

Lévi Platero. Photo: Jacob Shije

Y a-t-il d'autres musiciens autochtones dans le monde du blues et/ou de l'americana que vous voudriez souligner dans cette entrevue ?

Avant tout, en ce qui concerne les guitaristes de blues : je dois remercier mon — je l'appelle Big Brother. Mato Nanji, et cela signifie "ours debout". C'est un grand modèle, et probablement le seul autre guitariste de blues-rock autochtone à part moi qui essaie de le faire.

Avez-vous autre chose à mentionner avant que nous partions d'ici ?

Non, je veux juste continuer à jouer. Je veux juste continuer à faire ça – rencontrer plus de gens, continuer à grandir. Je ne veux pas être sous les feux de la rampe. Je ne veux pas être une superstar. J'adore jouer. Je veux juste que les gens apprécient ma musique et viennent vibrer aux concerts. C'est ça.

L'Amérique a donné naissance à une multitude de formes musicales. Ces artistes autochtones veulent savoir où ils se situent.

Photo: Raúl González

entretien

La musique de Cimafunk ne consiste pas seulement à passer un bon moment ; l'artiste cubain veut encourager les auditeurs à s'amuser en tant que personnes. Son deuxième album, "El Alimento", est en lice pour un GRAMMY Award du meilleur album de rock latin ou alternatif.

Les sons emblématiques de La Havane sont presque impossibles à ignorer. Le reggaetón, les tambours de la Santeria et la timba sillonnent les principaux espaces culturels de la ville et ponctuent ses coutures. Ensemble, tous ces sons créent une symphonie dans les rues d'une Mecque musicale mondiale.

Vers 2019, le hit "Me Voy" de Cimfunk était au centre de cette symphonie - en plein essor depuis les fenêtres des voitures anciennes et dans les rues depuis les balcons, et en streaming depuis les téléphones portables tentant d'attraper une connexion Internet fragile dans un parc. La chanson était apparemment partout, attirant l'attention avec son ton fort, regarde-moi et son rythme funky.

Avance rapide jusqu'à présent et Cimafunk a explosé à l'échelle mondiale. Le nominé pour la première fois aux GRAMMY, âgé de 33 ans, est désormais un créateur pionnier dont la musique unit les rythmes afro-cubains et le funk afro-américain. Son deuxième album, El Alimento de 2021, est nominé pour le meilleur album de rock latin ou alternatif aux GRAMMY 2023 aux côtés de Rosalía, Tinta y Tiempo, Jorge Drexler, Gaby Moreno et Fito Paez.

D'un point de vue sonore, El Alimento est un retour et une avance simultanés dans le temps. La nouvelle version du funk de Cimafunk mélangée au cha cha cha cha classique, à l'afrobeats, au rap, au rock et plus encore, oscille entre les sons marginaux et centraux tout au long de l'album. Ce faisant, non seulement il sillonne les genres variés, mais crée sa propre façon d'être dans sa musique.

Cimafunk capture la cadence ludique de Cuba sur "Te Quema La Bemba", où l'argot de rue rapide mêlé de rythmes de rap se transforme en un mashup élégant et ancré avec des nuances de cha cha. "Salvaje" - un lien avec le maître du jazz latin Chucho Valdes et le joueur de session de Stax Records Lester Snell - suit cette piste, alors que Cimafunk tombe dans des ballades plus lentes avec des voix plus profondes et plus denses, ajoutant un sentiment de gravité à la chanson et à son style en général. "Rompelo", un autre morceau notable avec Lupe Fiasco, se distingue par son groove rap stellaire.

Cimafunk a collaboré avec le parrain du funk George Clinton sur "Funk Aspirin" d'El Alimento - un morceau explosif et explicitement funk qui est également synchrone avec les tons tropicaux vibrants de Cuba. "Cimafunk est le seul, le prochain", a déclaré Clinton à GRAMMY.com. "Il le reprend tout en le gardant dans le présent. C'est comme ce que nous faisons, toujours réinventer le funk pour le garder frais."

La musique de Cimafunk est autant influencée par les rythmes afrocubains et le funk afro-américain que par la culture musicale vivante et les liens communautaires forts de La Havane. Avec son groupe de neuf musiciens - composé principalement de musiciens des écoles de musique les plus réputées de Cuba - les spectacles en direct de Cimafunk ressemblent plus à une thérapie funk complète du corps qu'à de simples voyages sonores.

Dans une interview en anglais avec des extraits d'espagnol, Cimafunk a décrit ses racines et son ascension vers le succès en tant que force funkadelic avec laquelle il faut compter. Répondant souvent aux questions d'entrevue en explosant dans la mélodie et le mouvement pour exprimer ses pensées et ses expériences, il expose sa saveur funk à haute énergie non seulement dans sa musique, mais dans toute sa façon d'être.

Vous avez gagné du terrain en tant qu'artiste en jouant des concerts d'abord à La Havane, puis aux États-Unis et à l'étranger. Y a-t-il quelque chose à propos de la scène musicale live à La Havane qui, selon vous, se retrouve dans votre propre présentation ?

Oui bien sûr. Tout sur la scène musicale live à La Havane m'a inspiré. À un moment donné, des amis et moi avons formé un groupe, et nous étions à La Havane et nous voyagions. On a commencé à voir des groupes dans la capitale et j'en suis tombé amoureux.

J'ai aussi compris comment développer le spectacle en direct à Cuba parce que là-bas, vous avez une foule qui connaît beaucoup de musique culturelle de fond en comble; ils savent exactement où et comment vous jouez. Nous avons écouté d'excellents musiciens quand nous étions enfants, [et] nous sommes nés en écoutant de la musique non seulement à la radio, mais dans la rue, etc. Donc, quand vous jouez [là-bas], vous devez vraiment le faire correctement ; vous devez comprendre ce dont les gens ont besoin et ce dont ils n'ont pas besoin. En même temps, la seule vraie chose que tu vas donner aux gens c'est d'être toi-même et de t'amuser.

J'ai appris de tout le monde là-bas [à La Havane], en particulier à travers les spectacles en direct. Ma principale "école" travaillait dans le spectacle vivant là-bas. À un moment donné, j'ai réalisé que le spectacle en direct était mon domaine, que le spectacle en direct était "l'arme". Cette prise de conscience a été un moment de conscience, sur la façon dont je peux me développer.

Avez-vous grandi dans un environnement musical ? Quel était votre environnement familial ?

J'ai toujours eu un lien avec la musique quand j'étais enfant. J'ai chanté dans une chorale d'une église baptiste, où toute ma famille allait. Après le lycée, je vivais dans une école et je chantais à toutes les fêtes.

J'ai commencé à chanter du reggaetón, [qui commençait tout juste à décoller à Cuba] parce que c'était "la scène" pour les filles.

J'ai aussi grandi avec beaucoup de musique chez moi. Même enfant vivant dans la forêt sans internet ni accès CD, j'écoutais Stevie Wonder et Madonna, parce que mon oncle avait une voiture et un lecteur de cassettes dans la voiture. Ma mère enseignait l'anglais alors elle adorait cette musique aussi.

Nous avions une grande famille. Nous dansions toujours dans la maison et tous les dimanches, nous dansions – salsa et autres types. Tout le monde aimait la musique et nous avons tous écouté de la musique toute la journée. Dans n'importe quelle maison, à un moment donné, de nombreux types de musique jouaient - la musique mexicaine, le reggaetón, Lionel Richie ou Michael Jackson, c'était mon préféré. Aussi, Los van van, et tous les groupes traditionnels et populaires de Cuba comme Charanga Habanera. Nous avions beaucoup de variété de musique parce que nous étions beaucoup de monde.

Vous appelez votre groupe "La Tribu" (la tribu). Peux-tutDites-m'en plus sur votre relation avec eux et pourquoi vous les appelez une "tribu ?"

Nous avons neuf personnes et chacun est un personnage spécial. Les membres du groupe sont tous de très bons musiciens. Nous sommes comme une famille; nous passons plus de temps ensemble que notre propre famille de sang. Nous avons développé des relations saines. On fait la fête tout le temps. Nous plaisantons toujours, nous nous amusons et nous nous sentons bien, et nous répandons ce bonheur. Nous avons cette ambiance particulière. Le public ressent cela et le spectacle en direct est vraiment bon pour cette raison. Le groove vous dit la vérité !

Vous venez de terminer votre deuxième tournée avec votre deuxième album, El Alimento. En quoi cet album est-il différent de votre premier album, Terapia de 2017 ?

Il y a des similitudes dans ma philosophie, qui est d'aimer son corps et sa façon d'être. Aimez-vous, amusez-vous et faites la fête avec cela - votre chair et votre âme. Je pense que la différence est la qualité. J'ai fait une très bonne équipe avec le producteur du deuxième album, Jack Splash. Mais les deux albums sont tous les deux spéciaux ; l'un n'est pas meilleur que l'autre.

Nourriture est nominé pour un GRAMMY Award du meilleur album de rock latin ou alternatif; comment vous voyez-vous et voyez-vous votre musique reflétée dans cette catégorie ?

Quand tu fais un album, tu dis "ça va être du rock ou de la salsa". Mais pour moi, c'est difficile parce que cet album a tout à l'intérieur.

Quand tu entends "Funk Aspirin" par exemple, c'est comme un acide, c'est lourd, ça sent le rock and roll.

Avez-vous toujours pensé à votre musique définie comme « alternative » ?

Je me souviens que des amis m'ont posé des questions à ce sujet il y a longtemps, en 2019 ou 18. Et j'ai dit, à l'origine je ne voulais pas que ce soit "alternatif", mais à la fin ça l'est.

Je ne suis pas à 100% dans le concept de [être défini comme] un style musical. Tout le monde a sa propre ambiance et sa façon différente de parler du groove et je le fais à ma façon. Ma voie est alternative aussi. J'essaie toujours de mélanger le son et le groove.

Y a-t-il des expériences significatives qui vous ont marqué et qui vous ont aidé à décoller en tant qu'artiste à Cuba ?

Au début, j'étudiais la médecine… J'avais toujours grandi avec cet état d'esprit que je devais être un bon professionnel, tout le monde dans ma famille avait ce genre de mentalité.

Mais j'avais voyagé à La Havane et j'y avais fait l'expérience de la scène musicale live. L'environnement là-bas était super actif - beaucoup de musique, un peu d'ambiance hippie, combinée avec, comme, un groove rap. Tout le monde était super sympa.

Je suis retourné dans ma ville natale [à Pinar Del Rio], et j'étais assis là à écouter mon professeur à l'hôpital, et j'avais l'impression que mon esprit n'était pas ici, à cet endroit.

Donc, à un moment donné, j'ai déménagé à La Havane pour poursuivre la musique. J'ai été seul pendant deux ans à jouer de la musique, mais aussi à faire d'autres boulots : peindre des voitures, nettoyer et faire n'importe quoi pour gagner de l'argent. Je vivais avec des amis et de la famille pour payer des trucs de base. Mais après deux ans, je me suis réveillé et j'étais comme si j'en avais marre, je dois trouver une solution parce que je ne peux pas continuer à attendre. C'est ce que je dis aux enfants maintenant - n'attendez pas que quelqu'un vienne à vous, ou qu'une étiquette quelconque vienne à vous. N'attendez personne. Faites juste votre truc. Personne ne viendra vous chercher si vous ne savez pas comment trouver votre propre chemin.

Y avait-il des musiciens spécifiques à La Havane qui vous ont encadré ou guidé pendant cette période ?

[Quand j'étais à La Havane] j'ai compris où se trouvait la maison de ce grand musicien, Raul Paz, qui est de ma ville natale. J'étais comme si je demandais de l'aide, je demanderais quelqu'un de ma ville natale.

Alors je suis monté et j'ai dit "Je suis de ta ville natale", et il a dit : "Je déjeune avec la famille, reviens dans 15 minutes." Quand je suis revenu, il était encore en train de manger avec la famille. Mais il a dit de venir au studio à l'arrière de sa maison. J'ai joué quelques-unes de mes chansons pour lui à la guitare. Il a dit, "tu as de bonnes chansons mon frère. Je peux mettre une de ces chansons sur un album." Et j'ai dit "Cela ne m'intéresse pas à 100 % ; ce qui m'intéresse le plus, c'est le travail. J'ai besoin d'argent comme maintenant, dès que possible."

Alors il a dit qu'il avait besoin de quelqu'un pour un grand spectacle dans l'un des plus grands théâtres de Cuba, le Théâtre Karl Marx. Il m'a dit que nous avions deux semaines de répétition avec d'autres musiciens. Le spectacle était entièrement composé de Noirs. Tout le monde était en costume et habillé de manière très élégante, mais je n'avais pas de vêtements. Je portais comme des jeans cassés que ma sœur m'avait donnés et qui étaient super serrés. J'avais de grosses lunettes blanches et des chaussures blanches. Tout cela ressemblait à des vêtements de proxénètes latins. [Des rires.]

Quoi qu'il en soit, ils ont diffusé cette émission en direct à la télévision dans tout le pays, donc à ce moment-là, tout le monde m'a vu. Le public m'a gardé en tête parce que j'étais habillé différemment avec une ambiance funky. Après cette opportunité, tout a commencé à se produire. [Raul] m'a pris sous son aile. Même maintenant, je continue à faire ce que j'ai fait avec lui — j'essaie de trouver un contact direct. Je suis comme si c'était qui je suis, si vous l'aimez, connectons-nous.

Comment la musique funk à Cuba vous a-t-elle influencé ? Qu'est-ce que cela vous a appris sur votre chemin?

Qu'il faut "se battre", et aussi comment être un maître de l'improvisation… C'est comme les groupes de salsa dans les années 90 - tous ces gros gens qui brouillent, font de l'improvisation - se battent.

J'ai appris ça avec [Havana funk band] Interactivo, comment développer le groove et me libérer pour dire ce que je ressens sur le moment. Et aussi comment chacun fait sa part.

Comment en êtes-vous arrivé à fusionner funk et rythmes afro-cubains ? Que représente cette connexion pour vous ?

Musique noire. Toutes ces informations que nos ancêtres ont apportées et exprimées à différents endroits. Des racines noires, pour moi c'est ça. Nous sommes venus ici en tant qu'esclaves - mes ancêtres, et ils ont donné au continent de la musique, de l'amour, de l'ambiance, de l'énergie.

Et cela a également inspiré votre nom ?

Mes grands-parents en ont souffert plus que moi. Ils ont grandi avec ce genre d'idée que nous devons être des personnes éduquées noires avec de l'argent, une bonne vie, de bons vêtements, propres, sentant bon, décents - fiers. J'ai commencé à gérer cela et moi-même dans et à travers la musique. J'ai commencé à ressentir tellement cette douleur que mes grands-parents ressentaient, mais aussi tellement d'amour pour nous et pour moi-même. Puis j'ai commencé à changer.

Pour moi, le cimarrón était l'équivalent de la nouvelle façon afro-cubaine d'être et de communiquer sur la musique, la culture, le sport, etc. [Historiquement], le cimarrón était une personne noire fière. Il n'avait pas l'impression d'être un esclave. Au lieu de cela, il a dit, je suis un roi, alors les cimarrónes se sont réunis et ont créé un village. Ils chantaient et dansaient de différentes manières, parlaient dans une langue différente. Ils construisaient ensemble une nouvelle société.

Pour moi "Cimafunk" est un nouveau mode de vie où vous êtes fier [que] vous pouvez être vous-même. Vous n'allez pas douter que vous réussirez. Donc, 'Cima' vient de cet héritage Cimarron et "funk" vient de la musique funky que j'aime.

Je vous ai entendu affirmer que votre musique était plus une question de fête et de joie que de politique. Pourtant, parce que votre musique combine des rythmes afro-cubains et du funk afro-américain, pensez-vous que votre musique relie indirectement les États-Unis et Cuba ?

Ce lien n'est pas indirect. Cet échange musical et culturel entre nos deux pays a toujours existé.

Je suis cubaine et je suis si heureuse d'être une personne et une artiste afro-latine. Je suis vraiment fier d'avoir ça dans mon existence. C'est beaucoup de puissance, de rythme et de groove. Mais ma musique ne parle pas seulement de "profiter de votre nuit". Il s'agit de vous apprécier en tant que personne.

Je vous ai entendu faire référence à Fela Kuti, citant "la musique est l'arme". Comment cette philosophie résonne-t-elle chez vous en ce qui concerne la connexion entre les États-Unis et Cuba ?

La musique est l'arme. Mais l'arme n'est pas pour faire mal. L'arme est quelque chose pour se soigner. C'est ce que Fela disait depuis ma conception : la musique, c'est l'amour, le plaisir, le plaisir et la révolution. Cette expérience avec l'art est quelque chose que vous devez comprendre par vous-même ; tu dois d'abord t'occuper de toi. C'est de la musique pour moi. La musique m'a sauvé. Cela m'a sorti de cet endroit difficile. Mais quand la musique m'a donné le rythme, tout a changé.

Dans quelle direction voyez-vous votre musique évoluer dans le futur ?

Tout grandit depuis que j'ai commencé, et c'est un bon sentiment. Avec l'ambiance sur laquelle nous travaillons maintenant, tout le monde [dans mon équipe] est en feu. Donc le futur va être sympa, avec des gens sympas autour, qui s'amusent.

Je veux continuer à explorer différents styles musicaux, surtout dans le groove. Je continuerai à jouer avec les rythmes, les connaissances et l'ambiance, sans tuer l'âme.

Nominations aux GRAMMY 2023 : consultez la liste complète des nominés

Photo : Brian Rasic/Getty Images

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Allez au-delà du snark sur le son de caisse claire et le manque de solos de guitare, et 'St. Anger 'ressemble à une réinitialisation rafraîchissante de mi-carrière pour les condamnés à perpétuité du heavy metal.

Depuis sa sortie en 2003, il y a eu un battement de tambour constant (pingy) de bavardages sur St. Anger de Metallica.

Le son de caisse claire chimérique – que le bassiste et producteur Bob Rock a affirmé avoir passé environ 15 minutes à créer – est au cœur du discours de St. Anger; une recherche Google pour « metallica st. colère piège » donne environ 661 000 résultats. Quant à savoir pourquoi les huit fois lauréats des GRAMMY ont annulé les solos de guitare de manière inhabituelle? Cette question donne des millions de résultats.

Ensuite, il y a le documentaire de 2004 Some Kind of Monster, l'un des portraits les plus inconfortablement révélateurs d'un groupe de rock englouti dans une crise de la quarantaine. Les moments mémorables abondent, mais pour une seule scène – le père ressemblant à la Terre du Milieu du batteur Lars Ulrich entend une prise et dit à son fils de "supprimer cela" – le film est un incontournable.

Compte tenu du statut controversé que St. Anger a acquis, il peut sembler que la communauté du métal veuille, eh bien, le supprimer. Bien que votre kilométrage puisse varier, cet album très controversé ne doit pas être relégué à une poubelle Internet.

En écoutant avec l'avantage de la distance temporelle, des morceaux comme "Frantic", "Some Kind of Monster" et "The Sans nom Feeling" sonnent bruts et vivants - peut-être de leur temps, étant donné leur contiguïté avec le nü metal alors ascendant. En fin de compte, ils évoquent la sensation d'une remise à zéro, plutôt qu'une capitulation face aux tendances.

Aujourd'hui, St. Anger semble s'attacher moins à la réputation qu'il a conçue, et plus à la caractérisation de Rock de la chose : « Pour moi, cet album sonne comme quatre gars dans un garage se réunissant et écrivant des chansons rock. Il n'y avait vraiment pas de temps pour obtenir des performances incroyables de James. Nous avons aimé les performances brutes… nous l'avons juste fait, boum, et c'était tout.

Pour marquer le 20e anniversaire de St. Anger, voici cinq faits sur l'album.

En 2001, Metallica n'avait pas sorti d'album de matériel original depuis près de cinq ans, depuis Reload de 1997 (une suite à Load de l'année précédente).

Alors que ces sessions se sont arrêtées en raison de bouleversements personnels et que le leader James Hetfield se dirigeait vers la cure de désintoxication – et que le groupe a ensuite continué à travailler dans un nouveau studio à San Rafael, en Californie – ce cadre sans fioritures convenait à la qualité sans fard de la musique.

Newsted était le deuxième bassiste de Metallica, après la mort tragique de Cliff Burton en 1986. Le départ de Newsted est survenu le mois où ils ont commencé St. Anger, ce qui a déstabilisé les progrès de l'album.

"Pour des raisons privées et personnelles, et les dommages physiques que je me suis infligés au fil des ans en jouant la musique que j'aime, je dois m'éloigner du groupe", a déclaré Newsted dans un communiqué. "C'est la décision la plus difficile de ma vie, prise dans le meilleur intérêt de ma famille, de moi-même et de la croissance continue de Metallica."

Comme Hetfield l'a dit, St. Anger était une valve pour libérer une pression psychologique intense.

"Il y a beaucoup de passion là-dedans. Il y a deux ans d'émotion condensée là-dedans", avait-il déclaré au magazine Metal Edge à l'époque. "Nous avons traversé beaucoup de changements personnels, de luttes, d'épiphanies, c'est profond. C'est si profond lyriquement et musicalement… C'est si difficile d'en parler, vous avez vraiment besoin de l'entendre."

En conséquence, St. Anger n'est rien sinon viscéral - et deux décennies n'ont pas poncé ces bords tranchants.

Alors que le producteur Bob Rock enregistrait les parties de basse sur St. Anger, son implication instrumentale

s'avérerait transitoire; Robert Trujillo a rejoint Metallica à la basse en février 2001.

Après avoir joué sur tous les albums de Metallica qui ont suivi, Death Magnetic en 2008, Hardwired… to Self Destruct en 2016 et 72 Seasons en 2023 – qui ont tous été chaleureusement accueillis par la critique – Trujillo est maintenant le bassiste le plus ancien de Metallica.

Alors que certains critiques contemporains ont qualifié St. Anger de « un gâchis impie » à « avoir subi plus de transformation que la nourriture pour chats », tout le monde ne l'a pas qualifié de cette façon.

Allmusic l'a qualifié de "document punitif et inébranlable de lutte interne"; Rolling Stone a déclaré "qu'il y a une authenticité dans la fureur de St. Anger qu'aucun des adeptes du rap-metal du groupe ne peut toucher".

Quant au groupe lui-même, il semble qu'il ait fini par accepter St. Anger, les verrues et tout.

"Il y a des choses que j'aimerais changer sur certains disques, mais cela leur donne tellement de caractère que vous ne pouvez pas les changer", a déclaré Hetfield en 2017. "St. Anger pourrait utiliser un peu moins de caisse claire en étain, mais ces choses sont ce qui fait que ces disques font partie de notre histoire. "

Inébranlable, audacieux et non poli, St. Anger est l'un des albums ultimes "line in the sand" de l'histoire de la musique heavy. Quelle que soit votre perception de cette entrée de vilain petit canard, profitez de son 20e anniversaire comme une occasion de revisiter sa fureur avec de nouvelles oreilles.

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Photo : Rob Schanz

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En parcourant le monde, le chanteur principal de Sarah Shook & the Disarmers, River Shook, est confronté à un dilemme brûlant : trouver une banane de haute qualité.

À la manière typique des rock stars en tournée, le chanteur principal de Sarah Shook & the Disarmers, River Shook, préfère un assortiment de fruits et légumes : houmous, carottes miniatures, poivrons miniatures et salsa. "C'est bien d'avoir des collations qui sont un pas en avant par rapport aux collations des stations-service", déclare Shook dans cet épisode de Herbal Tea & White Sofas.

Cependant, l'aliment sain le plus difficile à trouver est la banane, comme le révèle Shook : « D'après mon expérience, les bananes sont à moitié crues, vertes et à moitié trop mûres. Je ne sais pas comment les stations-service font cela parce que je n'ai rencontré cela nulle part ailleurs.

Sarah Shook & the Disarmers ne sont pas seulement sur leur meilleur comportement avec des habitudes alimentaires propres - ils s'assurent également de traiter chaque pièce verte avec le plus grand respect.

"Nous venons de jouer quelque part avec une note spéciale dans le document de la tournée qui était du genre" Pas de comportement inapproprié dans les coulisses "", raconte Shook. "Et on s'est dit : 'Quoi ? Qu'est-ce que les gens font ici ? Je ne veux pas savoir. Je vais bien.'"

À travers tout, l'aspect le plus important d'une tournée pour Shook est de pouvoir montrer son moi authentique. "Même les plus anciennes des chansons que nous interprétons encore me sont si personnelles car elles viennent de mon expérience de vie [...] La proximité du groupe transparaît à travers notre musique et à travers nos performances live."

Appuyez sur play sur la vidéo ci-dessus pour en savoir plus sur le style de vie en tournée de River Shook, et revenez sur GRAMMY.com pour plus de nouveaux épisodes de Herbal Tea & White Sofas.

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